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Música Clásica y ópera de Classissima

Maurice Ravel

lunes 22 de mayo de 2017


Ópera Perú

12 de mayo

Javier Perianes presenta a Schubert en Lima

Ópera PerúDaniel García Bruno El pianista español conversó con nosotros antes de su recital en Lima en el que presentará su mas reciente grabación dedicada a Franz Schubert.Por Gonzalo Tello (Ópera Perú)Javier Perianes ha recorrido el mundo en los últimos años, catapultando una carrera llena de elogios y ovaciones en los principales teatros del orbe. "Maestro" y "Una nueva referencia" son potentes elogios que ha recibido de la crítica especializada.Perianes visitó nuestro país en dos oportunidades en la última década, para interpretar los conciertos para piano y orquesta de Rachmaninov y Grieg. En este oportunidad llegará para ofrecer un recital en el cual se sumerge en la música de Franz Schubert, a través de su trascendente Sonata en Si bemol mayor, D. 960 y música de Falla y Albéniz.Ópera Perú celebra 10 años. Síguenos en Facebook y Twitter.Javier Perianes llegará a Lima para dar un recital este sábado 13 de mayo a las 7:45 pm en el Auditorio Santa Úrsula, dentro de la Temporada de Abono de la Sociedad Filarmónica de Lima. Las entradas están a la venta en Teleticket de Wong y Metro.Conversamos con el nuevamente, y nos comentó sus impresiones sobre este nuevo lanzamiento y sus ganas de volver a Sudamérica.¿Cómo surge el proyecto de grabar estas sonatas de Schubert?Surge hace varios años cuando grabamos las Piezas Líricas de Grieg en Berlín, después de grabar el concierto para piano, para que fueran juntas en el disco, y el pedido de la compañía (Harmonia Mundi) fue muy directo: Ellos querían un disco de sonatas de gran formato para piano. Yo ya había grabado sonatas de Beethoven en torno al Moto Perpetuo, sugerí a Brahms pero ya las habían hecho con otro pianista. Nunca se me había ocurrido Schubert porque ya habían muchas grabaciones hechas de otros colegas, pero finalmente ellos fueron quienes lo pidieron. Escogí la última, la D. 960, una de las cimas de la música schubertiana, y la acompañamos por la D. 664, una sonata en menor dimensión y densidad, y nos pareció a todos que era una buena idea. El disco ha salido hace un mes, y me acabo de dar cuenta que fue la misma combinación de obras que sacó hace muchos años uno de los grandes schubertianos, como es Radu Lupu. Ha sido pura casualidad. Yo he tocado mucho a Schubert en los últimos años, así que la relación ha sido muy natural. No ha sido que tengo que meterme en un universo que desconozco, ha sido como jugar en parte en casa. Vamos a ver si gusta o no gusta, pero hemos puesto la ilusión y el alma en ella.¿Cómo describes cada sonata, la D. 664 y la D. 960?A mi hablar de música cada vez me cuesta mas, porque me cuesta trabajo en tres o cuatro frases resumir lo que es un universo tan extraordinario como este. Por hacerlo fácil, la 664 es una obra de un Schubert mucho mas joven, claro, hablar de un señor que muere con 31 años relativiza todo el discurso, pero es cierto, es una obra mas galante, muchísimo menos elaborada, temáticamente mucho mas sencilla y asumible por parte del espectador, la duración gira en torno a los 18 minutos. Solo el primer movimiento de la 960 dura 20. Entonces es una obra mas clásica, de una factura muy elegante, donde se dan la mano el clasicismo y el romanticismo de una manera mucho mas inocente. En la 960 hablamos de una obra casi testamentaria, de un Schubert que a las seis semanas fallece, una obra monumental en torno a los 45 minutos, con un primero de 20 y luego con dos movimientos finales optimistas luego de ese sentimiento fúnebre que deja el segundo. Son cuatro movimientos extraordinarios que conforman una de las cimas del piano clásico romántico, porque en Schubert siempre cabalga entre esos dos mundos.Schubert es parte del programa de esta gira que te trae nuevamente a Sudamérica...Si, en todos los conciertos tocaré la sonata D. 960, escoltada por una pequeña obra de unos siete minutos que sirve como una especie de aperitivo que es el Allegretto en Do menor, que creo que introduce muy bien a la Sonata en Si bemol mayor. Ese será el Schubert que es escuche en Latinoámerica. No solo las giras son intensas en los últimos años, sino también veo que las grabaciones. Se ha grabado mucho con Harmonia Mundi obras de diversos compositores, especialmente españoles. A pesar de que esta música es universal, siempre tiene un valor agregado al ser tocada por un español.Te confieso, yo no siento ninguna obligación como español a grabar música española, pero tampoco te puedo engañar, es una música muy cercana. Pero la siento igual de cercana que la puede sentir un peruano. Y lo digo con el convencimiento de que hay pianistas e intérpretes peruanos, argentinos, alemanes, ingleses, o de cualquier nacionalidad que pueden defender la música española de la misma manera o mejor que yo. Como tu bien has dicho, creo que es una música que forma parte del repertorio internacional también. Si es cierto que la música española, desde que empecé a grabar con Harmonia Mundi con Mompou, luego el de Vasco de Nebra, De Falla, otro dedicado a Turina y Granados con quinteto, y este último, que se dedicó a la música de Falla parcialmente con Estrella Morente, no siento obligación sino verdadera devoción, porque es música en la que confío. Esto mezclado con otros compositores, como este a Schubert, el próximo dedicado a Bartók, Ravel, Debussy, así que mezclo música del repertorio internacional con música en la que profundamente creo. Usted podrá escuchar esta entrevista y algunas de sus grabaciones este viernes 12 a partir de las 6:00 pm en el programa "Novedades Musicales" de Radio Filarmonía 102.7 FM. También podrá escuchar por internet en www.filarmonia.org.Javier Perianes, pianoSábado 13 de mayo, 7:45 p.m. Auditorio Santa Úrsula - Av. Santo Toribio 150, San Isidro.Programa:Franz Schubert: Allegretto en Do menor D. 915 / Sonata en si bemol mayor No. 21 D. 960.Manuel de Falla: Homenaje “Le tombeau de Claude Debussy” / El amor brujo, suite para piano / Pantomima / El Aparecido. Danza del Terror /  El círculo mágico- A medianoche / Danza ritual del fuego.Claude Debussy: La soirée dans Grenade (Estampas) / La puerta del vino (Preludio-Libro II) / La sérenade interrompue (Preludio-Libro I)Isaac Albéniz: El Albaicín (Suite Iberia).

Scherzo, revista de música

9 de mayo

CRÍTICA / Irregulares sensaciones

Cartagena. Auditorio y Palacio de Congresos El Batel. 5-V-17. Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia (ÖSRM) y Cammerata. Judith Jáuregui, piano. Directora: Virginia Martínez. Obras de Falla, Ravel y Shostakovich.  José Antonio Cantón leer más




Pablo, la música en Siana

29 de abril

No solo París

Viernes 28 de abril, 20:00 horas. Auditorio de Oviedo, "Relatos II": Abono 11 OSPA, Antonio Galera (piano), Rubén Gimeno (director). Obras de Debussy, Falla, Milhaud y Stravinsky. ©FacebookOSPAIsrael López Estelche, autor de las notas al programa que dejo como siempre enlazadas en los autores al principio, nos hablaba en su conferencia previa al concierto lo bien que saben vender los franceses hasta lo que no es suyo, si bien debemos reconocerles sus múltiples aportaciones desde un chauvinismo reconocido que incluso parece darles el sello de calidad. Francia ha sido modelo a seguir podríamos decir que desde la Revolución Francesa, con un laicismo envidiable, tomando lo mejor de otros para terminar haciéndolo suyo, algo que los españoles deberíamos imitar perdiendo un complejo de inferioridad que nos ha lastrado siglos. El undécimo programa de abono tenía como denominador común el París del cambio de siglo, los albores de las vanguardias con todo lo que supuso para la historia de la música en los cuatro compositores elegidos, y cómo hacer confluir todas las artes en la ciudad de la luz a la que acudieron como capital cultural del momento. Debussy (1862-1918) creará un lenguaje basado en la antítesis, el amor-odio hacia lo germano (siempre Wagner en el punto de mira), un impresionismo que marcará un punto y aparte del que el empresario ruso Sergei Diaghilev beberá precisamente de los músicos "parisinos" de este concierto para sus famosos ballets rusos, devolviendo a Francia el esplendor de la danza. El Preludio a la siesta de un fauno (1892-1894) será una de las páginas rompedoras del fin de siglo con un Nijinsky en estado puro para bailar una obra de la que Mallarmé, en quien se basa, llegó a decir que “la música prolonga la emoción de mi poema y evoca la escena de manera más vívida que cualquier color”. Música y color "debussiano" bien entendido por Rubén Gimeno y la OSPA (entrevistado en OSPATV), con Peter Pearse en la flauta solista mientras sus compañeros pintaban esas brumas calurosas que invitan al sopor pero con la sonoridad adecuada para calentar motores ante un programa con mucho ritmo más allá de la danza, delicadeza llena de sutiles sonoridades. Manuel de Falla (1876-1944), nuestro compositor más internacional, llegará a París en 1907 casi obligado no ya por su inconformismo y búsqueda de nuevos lenguajes sino también por la incomprensión y el maltrato de los críticos españoles, madrileños sobre todo, compatriotas que desde Napoleón siempre hemos visto a los ilustrados despectivamente, los "afrancesados" que como todo en la vida, no todo resulta malo. Musicalmente el gaditano necesitaba poner tierra por medio y cruzar los Pirineos para llevar lo español al país vecino que siempre admiraron nuestro exotismo de Despeñaperros para abajo. En París también contactaría con Diaghilev, a quien Falla ayudaría a engrandecer sus espectáculos, también con Debussy y Ravel, tan cercanos y presentes incluso como modelo para las Noches en los jardines de España (1909-1916) que contaron con Antonio Galera (entrevistado en OSPATV) de solista. La visión de Granada desde Francia con la óptica universal del español utilizando nuevos recursos, no el concierto para piano y orquesta sino más bien con ella, uniendo y entendiendo la sonoridad completa, el juego tímbrico y la mezcla de texturas partiendo de una combinación conocida pero cocinada desde la mal llamada modernidad. El director valenciano Rubén Gimeno es un gran concertador lo que se notó en los balances y adecuación con el piano de Galera, En el Generalife con virtuosismo del solista que encontró el acomodo ideal, casi suspensivo de la orquesta, sin excesos de presencias, dejando que lo escrito sonase. La Danza lejana aportó el ritmo y el empuje, la música de danza tan española y sin folclorismos, lo que será "marca Falla" o si se quiere ibérica (como también Albéniz), puede que poco presente en cuanto a volúmenes pero profunda en sentimiento, cante jondo en el piano respondido por la orquesta desde un rubato cómplice por parte de todos en un enfoque intimista del solista al que podríamos pedirle lo que los flamencos llaman "pellizco", antes de enlazar con En los jardines de la sierra de Córdoba donde la pasión la puso el valenciano Gimeno y la orquesta asturiana, explosión sonora para una de las páginas señeras del gaditano. La propina mantuvo el intimismo, el piano interior y delicado como así entendió el pianista valenciano a nuestro Falla, con su Canción, marca propia inspiradora de generaciones posteriores. La eclosión de la danza vendría en la segunda parte con los viajes de ida y vuelta, un francés tras pasar por Brasil y el ruso triunfador en París que influye igualmente en el primero. Darius Milhaud (1892-1946) compone su ballet El buey sobre el tejado, op. 58 (1919) tras su estancia brasileña en la que se empapará de los ritmos y cantos populares, bien descrito en las notas de López Estelche: «orquestación, sencilla y directa, con una influencia directa del music-hall, que busca, en este caso, huir de la complejidad textural de sus predecesores impresionistas. En lugar de ello, hace primar, de manera soberbia la rítmica sincopada que caracteriza la obra, y que la hace tan dinámica, divertida, pero exigente a la vez; aludiendo a la precisión como obligación, no como opción. Aquí se cumple la norma de la frase de Ravel “mi música se toca, no se interpreta”». Dificultades interpretativas que radican precisamente en los complejos cambios de ritmo donde la percusión manda pero que la orquesta al completo debe plegarse a la batuta para encajar esta locura de cambios continuos antes del rondó con el tema recurrente. Gimeno se mostró claro en el gesto para sacar lo mejor de esta obra de Milhaud agradecida, bien ejecutada por todas las secciones aunque pecando de ciertos excesos sonoros que empañaron la limpieza de líneas que en la politonalidad no tienen porqué solaparse, aunque en el entorno del concierto pudo parecer normal ante esa búsqueda de texturas y colores que sí se alcanzaron. Y nuevamente nos encontramos este concierto con Diaghilev puesto que Igor Stravinsky (1882-1971) sería el verdadero revulsivo. De sus ballets escuchamos la revisión de 1919 de su suite El pájaro de fuego (1909-1910) en una interpretación compacta, potente, luminosa, rebosante y por momentos explosiva. Los cinco números no dieron momento para el solaz, ni siquiera la Canción de cuna, puesto que se mantuvo la tensión necesaria para mantener esa unidad desde la calidad que los músicos de la OSPA atesoran, en buen entendimiento con un Rubén Gimeno dejando fluir las melodías del ruso "rompedor" en su momento. Exotismo y orientalismo junto a lo más avanzado de la música francesa (siempre nos quedará París) y un virtuosismo orquestal de combinaciones inesperadas, rebosantes, colorísticas junto a ritmos vibrantes con la percusión protagonista, la cuerda sedosa y los metales quemando literalmente para dibujar musicalmente un cuento hecho orquesta. Perfecto colofón a una velada de danza con aromas franceses como elemento aglutinante de estos "relatos", el Finale (que también sonará en el próximo "Link Up" dentro de quince días con Carlos Garcés a la batuta) llevándonos este concierto a una verdadera fiesta musical de las que uno sale optimista y con ganas de vivir. Buena batuta para una orquesta madura que tiene en la música de ballet un referente.



Maurice Ravel
(1875 – 1937)

Maurice Ravel (7 de marzo de 1875 - 28 de diciembre de 1937) fue un compositor francés del siglo XX. Su obra, frecuentemente vinculada al impresionismo, muestra además un audaz estilo neoclásico y, a veces, rasgos del expresionismo, y es el fruto de una compleja herencia y de hallazgos musicales que revolucionaron la música para piano y para orquesta. Reconocido como maestro de la orquestación y por ser un meticuloso artesano, cultivando la perfección formal sin dejar de ser al mismo tiempo profundamente humano y expresivo, Ravel sobresalió por revelar «los juegos más sutiles de la inteligencia y las efusiones más ocultas del corazón».



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